ILUSTRANDO ANDO

El cuadernista

2012-02-26T12:33:00.000-08:00

El proyecto Cuadernistas cuyo leitmotiv es:

Nos falla la memoria y para ayudarla apuntamos cosas en papelitos: lo que vemos, nos gusta y queremos recordar o retener. Los cuadernos usados nos sirven para saber quienes hemos sido.

Consiste en que diferentes ilustradores muestran sus cuadernos privados para que podamos ver en qué trabajan, sus ideas, etc. Todo eso que, de otra forma, quedaría en ese lugar oscuro y feo que es el cuarto inhóspito de lo inédito.

A mí, por cuestiones poécticas, me han gustado especialmente los Diarios Visuales (2008) de Pep Carrió.

Vía La soledad del deseo

SINESTESIA

2012-02-26T05:02:00.002-08:00

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A continuación os introduzco en el tema de la sinestesia. Un recurso cada vez más utilizado en el arte, la publicidad y el cine, y un medio eficaz a la hora de crear tu propia pieza artística, independientemente de la disciplina que quieras desarrollar. Artistas como Chris Cunningham lo aplican…

DEFINICIÓN

La sinestesia, del griego συν, ‘junto’, y αισθησία, ‘sensación’, es, en retórica, estilística y neurología, la mezcla de varios sentidos diferentes. Un sinestésico puede, por ejemplo, oir colores, ver sonidos, y percibir sensaciones gustativas al tocar un objeto con una textura determinada. No es que lo asocie o tenga la sensación de sentirlo: lo siente realmente.

DESCRIPCIÓN CLÍNICA

La sinestesia no es un fenómeno frecuente. Anteriormente se suponía que la sinestesia era muy rara, pero hoy en día algunos científicos han sugerido que es 88 veces más común de lo que se suponía; es posible que el fenómeno ocurra en una de cada 23 personas.

Una causa de la diferencia en estas estadísticas es que los sinestésicos no suelen reconocer que la mayoría de la gente no tiene esa capacidad. El tipo de sinestesia en el cual las personas ven colores cuando oyen o leen letras y números es el más frecuente, hasta 1% de personas. Otras personas saborean sonidos y colores, entre otros. Véase el artículo: Conciencia (Psiquiatría)

Nuevas investigaciones muestran que la sinestesia ocurre mucho más frecuentemente de lo que se pensaba. Es difícil describir las capacidades de los sinestésicos porque hay muchas clases. Algunos sinestésicos son extraordinarios y poseen una profunda sensibilidad musical, pues pueden distinguir e identificar sonidos que, a nivel consciente, no son fácilmente percibidos por otros humanos “normales” lo cual muchas personas suelen relacionar con el ‘oído absoluto’.

Algunos sinestésicos se deleitan escuchando ópera, visualizando muchos colores y sabores. La creatividad es otra característica de estas personas. Actualmente se realizan investigaciones con personas en gran parte del mundo y se ha descubierto que también poseen excelente memoria y poder de recordar hechos, aunque las capacidades extraordinarias no son una condición común a todos los sinestésicos.

SINESTESIA EN EL ARTE

La sinestesia es también una figura retórica que, además de la mezcla de sensaciones auditivas, visuales, gustativas, olfativas y táctiles, asocia elementos procedentes de los sentidos físicos con sensaciones internas (sentimientos). Se le vincula con la enalage–figura gramatical consistente en cambiar las partes de la oración– y con la metáfora, por lo que a veces recibe el nombre de metáfora sinestésica.

Hay precedentes del uso de este tropo ya en la literatura clásica, como por ejemplo Virgilio. En España fue utilizada por los escritores barrocos. Pero fueron los poetas franceses quienes la pusieron de moda en la lírica, especialmente durante la corriente denominada simbolismo, que en España apareció subsumida dentro del llamado modernismo literario. Así, por ejemplo, el poeta simbolista francés Arthur Rimbaud creó un soneto dedicado a las vocales, adjudicando a cada una de ellas un color distintivo, y los poetas modernistas como Rubén Darío podían hablar de sonoro marfil o de dulces azules(gusto más vista). En este caso, se trata de una sinestesia de primer grado, ya que son impresiones de dos sentidos corporales diferentes; pero si se asocia la impresión de un sentido del cuerpo no a otra impresión de un sentido diferente, sino a una emoción, un objeto o una idea, se trata ya de una sinestesia degradada o indirecta, o más bien de la llamada sinestesia de segundo grado, por ejemplo, agria melancolía.

Personajes como Charles Baudelaire, Nikolai Rimsky-Korsakov, Vladimir Nabokov, Marcel Proust, Alexander Scriabin y Olivier Messiaen, Axel Lovengreen, Justin Chancellor entre otros, poseían esta facultad.

SINESTESIA EN LA MÚSICA

Resulta particular el caso del compositor ruso Alexander Scriabin quien se vio fuertemente influido por su habilidad sinestésica en su obra musical. Su principal virtud fue asociar tonalidades con colores determinados. Su sistema de colores, a diferencia de la mayoría de las experiencias sintestésicas, se ordena según el círculo de quintas basado en el sistema que Sir Isaac Newton describe en su libro Opticks.

En su autobiografía Recolecciones, Sergei Rachmaninoff incluyó una conversación que había tenido con Scriabin y Rimsky-Korsakov (quien también poseía la condición) acerca de la habilidad sinestésica de Scriabin. Rachmaninoff se sorprendió al darse cuenta que la asociación entre notas y colores era la misma en ambos. Aunque escéptico, luego logró darse cuenta de que Scriabin asociaba un Mi bemol con púrpura, mientras que Rimsky-Korsakov con azul. Sin embargo Rimsky-Korsakov replicó que un pasaje de la opera de Rachmaninoff “El miserable Caballero” sustentaba su asociación; la escena en la que el viejo barón abre un baúl con un tesoro lleno de oro y joyas brillando estaba escrita en Re, es decir en amarillo oro. Scriabin escribió a Rachmaninoff diciéndole “su intuición ha seguido inconscientemente las leyes que su razón ha negado”.

FUNCIONALIDAD

La sinestesia es una capacidad sensorial más utilizada de lo que nosotros pensamos a simple vista. Experimentamos sinestesia en el cine, en los spots publicitarios, en la lectura, en la música y en muchas situaciones cotidianas.

Un creativo utiliza este recurso para materializar sus muchas de sus manifestaciones artísticas.

En el caso de la música, la sinestesia es un factor casi crucial. Podemos afirmar así, que bandas como The Cure basaron su música en estados climatológicos, transmitiendo un día lluvioso, o un día soleado. Stereolab compone a partir de caleidoscópicas melodías que recuerdan a los paseos en el campo y figuras geométricas a todo color, Enya al aire desde un acantilado frente al mar, compositores clásicos narraban historias de batallas navales a golpe de platillo y melodías agudas frente a la tempestad de golpes muy graves.

Si la música es un lenguaje es propio admitir que en la música existen imágenes que transmiten sentimientos, sensaciones de calor, frío, y por lo tanto, colores, formas, estética, cantidad, texturas, materiales, etc.

En la música contemporánea músicos como Aphex Twin, Autechre, Boards of Canada, o Bjork, entre otros, destacaron por composiciones musicales por mejorar esa capacidad de transmitir la imagen al “espectador sonoro” a través de elementos como el metal, las formas arquitectónicas, el cuerpo humano, el plástico, la electricidad, la madera, los sonidos de los juguetes, el viento, la nieve, la luz, el espacio ingrávido,… ayudándonos a soñar o a recordar de una manera directa aquello que se pierde y anhelamos en el mundo de las ideas.

Synesthesia from Terri Timely

A continuación un video clip que ejemplifica parte de lo anteriormente expuesto.

Chris Cunningham es uno de los videoartistas más pioneros de la escena musical electrónica contemporánea que utiliza a menudo recursos tanto temáticos como rítmicos para potenciar el sonido.

Página interactiva Psychographics

Actividad:

Escoge una canción que te guste y escúchala con los ojos cerrados. A continuación busca 6 imágenes pensando en esa canción, sin escucharla. Posteriormente vuelve a escuchar la canción mientras visualizas las imágenes que escogiste. Te sorprenderás!

Vía: Cinestésiame

Mayo del 68 en gráfica

2012-02-21T05:18:00.003-08:00

INSPIRACIÓN PARA PRENSA

A raiz de la brutal represión policial contra los estudiantes de secundaria en Valencia se me ocurre sacar a la luz parte de la gráfica sesentaochista francesa, que con gran impacto visual y con un claro mensaje revolucionario y contestatario llenó las calles de París a finales de los sesenta. No estaría mal recuperar esta estética/ética en estos momentos. Me recuerda a Raúl, Alejandro Magallanes, y otros tantos ilustradores que de una forma u otra opinan contundentemente sobre la realidad política y social. !Qué lo disfruteis y a por todas!

La galería madrileña, La Caja Negra realizó en 2005 una exposición de 36 carteles originales de los que llenaron los muros de París de consignas y propaganda revolucionaria.

Los carteles están realizados con técnicas básicas de gráfica: serigrafía, litografía y estarcido.

Estos carteles, puestos al servicio de los movimentos contestatarios de mayo del 68, fueron realizados por profesores, estudiantes y trabajadores en los talleres ocupados de la Escuela de Bellas Artes, en las distintas Facultades o en las agrupaciones de barrio, de forma anónima y colectiva (sobre algunos de ellos simplemente aparece un sello con la leyenda: "Talleres Populares").

“El Taller popular consta de hecho de un taller donde se conciben los anuncios y varios talleres: el de serigrafía, de litografía, de pochoir (estarcido) y la cámara oscura. Un junta general se reúne diariamente reuniendo a todos los militantes y artistas. En el momento de esta asamblea escogemos los proyectos democráticamente después de debate. Los proyectos de anuncios son generalmente puestos en común después de un análisis de la situación política y de los acontecimientos del día o después de discusiones a las puertas de las fábricas. Dos cuestiones ¿lel mensaje político es acertado? ¿ El anuncio transmite bien esta idea?. Luego los proyectos aceptados son realizados por los equipos de los talleres que se relevan noche y día.”

Imagen del Atelier Populaire

Sólo los talleres de la Escuela de Bellas Artes editaron alrededor de 500.000 carteles con unos 400 motivos diferentes.

Las razones que llevaron a La Caja Negra a realizar esta exposición, vienen explicados en su hoja de sala: "La obra gráfica, que comenzó siendo un medio para difundir imágenes e ideas retomó nuevamente este papel, pero esta vez fuera del mercado del arte. Hoy en día las relaciones entre actividad artística, pensamiento político y acción social están constantemente presentes en exposiciones, tratados de crítica y planteamientos de los artistas, lo que justifica el interés que tiene el presentar un conjunto de estampas realizadas para difundir ideas, agitar o movilizar a las personas. Su interés gráfico es indudable y sus contenidos pueden estar vigentes o ser muy significativos a la hora de analizar el presente del mundo, tanto socialmente como en lo que toca a sus derivas artísticas".

Resulta estimulante la claridad absoluta de estos carteles y su presentación básica, igualitaria y directa, propaganda de un nivel elemental, precisamente en su sencillez reside su potencia expresiva. En nuestra infoesfera actual, saturada de diseño publicitario, la crudeza visual de estos carteles adquiere mayor fuerza si cabe y algunos de sus mensajes siguen siendo válidos para reivindicaciones contemporáneas

Entre los afiches expuestos en La Caja Negra hay algunos que estan ya inscritos en la cultura popular en nuestra memoria colectiva, como la imagen del policía SS,

que hace unos años Rogelio López Cuenca reutilizó para hablar de la política de fronteras europea.

Se llegaron a realizar 400 carteles distintos, en la expo sólo se exhiben 36, así que hemos aprovechado la ocasión para recopilar algunos que NO vereís en La Caja Negra:

Vía Contraindicaciones

David Carson, el traidor del diseño

2012-02-16T16:17:00.000-08:00

EL DISEÑADOR QUE RETÓ A LA RETÍCULA

David Carson

David Carson ha sido considerado como un Dios del diseño por los jóvenes y las nuevas generaciones, pero también es visto como un traidor al diseño por los diseñadores mas conservadores, en cualquiera de los dos casos, Carson genera tensión, se podría decir que Carson es la izquierda del diseño, siempre polémico y alocado, divirtiendose siempre con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”, sin embargo, el sentido de las letras, el posicionamiento y la estructura de estas es también un arma retórica con la cual, el sentido del texto no lo lleva la lectura solamente, sino el diseño en sí también...y Carson lo sabe...

David Carson convierte la lectura en un proceso de descubrimiento, en una experiencia interactiva. Supo captar la necesidad de una franja de público pequeña que demandaba un nuevo diseño rupturista, que no esperaba un diseño limpio y definido.

Considerado un genio por los diseñadores jóvenes y un hereje por los diseñadores más ortodoxos, Carson, es por convicción, un radical del diseño, trata de ser siempre polémico y se divierte con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”. Se afirma que sus diseños son más obras de arte y no de diseño cuya función primordial es comunicar. Carson refuta esta idea diciendo que existen diversas formas de comunicar y que el arte también es una forma de comunicación y que un diseñador no puede permanecer pasivo ante diseño, y ser totalmente objetivo. Para él, un buen diseño es aquel que genera una reacción emocional en el receptor, por lo que su trabajo se basa en la intuición más que en el pensamiento puramente racional.

Algunos dicen de que sus diseños son ilegibles y que no tienen estructura, otros afirman que sus diseños llegan a la emoción de la gente y que comunican más que texto solo. En sus trabajos, suele combinar distintas tipografías, algunas veces dentro de una misma palabra.

RAY JOHNSON, MAIL ART

Siempre que veo los diseños de David Carson me acuerdo de este artista, Ray Johnson. No creo que tengan nada que ver el uno con el otro, y lo mío sea únicamente una asociación visual, pero me interesante echarle un rato a su trabajo. En este blog podéis ver una versión extendida de su biografía.

Johnson es considerado "padre del arte postal", desde 1953 empezó a enviar imágenes y textos de arte conceptual a sus amigos, muchas veces con la consigna de agrega, copia y envíalo a otros o devuélvelo.

Los trabajos de Johnson podríamos considerarlos como una continuación de Dada y Merz, conocía la tecnica de los collages de Schwitters y el toque surrealista de Max Ernst, con juegos verbales y visuales y con un sentido del humor de ingenio nihilista. Alrededor de 1955, Johnson empezó a incorporar retratos de celebridades y estrellas de cine populares tales como James Dean, Elvis Presley, Shirley Temple y Marilyn Monroe así como comics y textos e imágenes de la publicidad, como el logotipo de Lucky Strike, mucho antes que Warhol. Creó el famoso muñeco “bunny”, conejito que se parece a un mutante genético de Mickey Mouse diseñado para ser un conejo.

Vía Kolores, Diseño Publicitario 5, Isopixel

¿Quién dijo que había que ser bueno?

2012-02-15T15:34:00.000-08:00

ALEJANDRO MAGALLANES

Alejandro Magallanes, diseñador y cartelista, nacido en la Ciudad de México en 1971. Estudió en la escuela nacional de artes plásticas de la UNAM. Su obra, de alcance internacional, ha sido publicada y expuesta en países como Francia, Irán, España, Argentina y Japón. Ha recibido numerosos premios, entre los que figuran la medalla Jozzef Mozrack, el premio Golden Bee, la medalla de bronce en la Bienal 4th Block y una medalla en la Bienal Internacional de Cartel en México.

Alejandro Magallanes sitúa sus figuras frente al espectador y en el centro de la obra, con una intransigencia en la composición que, sin embargo, ofrece una enorme diversidad en los registros utilizados y en las técnicas que los acompañan; ambos apartados de las connotaciones de las que normalmente se les considera portadores. Y así aparecen la fotografía y el dibujo, la escritura a mano y las fuentes de imprenta, la caricatura y la silueta, el dibujo y la cita visual, el color plano y los matices; todo ello, utilizado en una inagotable serie de combinaciones....

...Magallanes va más allá. Parte, sin duda, de apuestas ideales, de hipótesis de proyecto y de decisiones que son también conceptuales; pero las plasma con fuerza en una actividad en la que priman el juego combinatorio, la manipulación de la materia y el sentido del hacer; y en la que la práctica se adelanta a la teoría, la táctica desbarata la estrategia, lo episódico hace mella en el sistema, y la ruptura se burla de la norma.”. (texto extraido de la revista Experimenta)

Vía de lo Visual a lo Espiritual

ARTE QUE ILUSTRA

2012-02-14T14:17:00.000-08:00

Hoy inauguro la sección "ARTE QUE ILUSTRA". Consiste en entradas donde veremos obra de aquellos autores y autoras que de forma, más o menos directa, han influido en la ilustración de los últimos tiempos. Por el tratamiento del color, la abstracción, la utilización de texturas, estilización formal, expresión de ideas, técnicas etc.

Nabis

Los nabis fueron un grupo de artistas franceses de finales del siglo XIX, caracterizados por su preocupación por el COLOR. Llegaron a convertirse en una influencia principal sobre el arte de la época. Para entender a los nabis hay que tener en cuenta la importante relación que había en sus pinturas entre color y sentimiento. El color se convirtió en un elemento de transmisión de determinados estados de ánimo o formas de sentir.

Pierre Bonnard

Influenciados por Gauguin, el grupo fue liderado por Paul Sérusier; y entre sus componentes estuvieron los pintores Odilon Redon, Puvis de Chavannes, Édouard Vuillard (TEXTURAS), Pierre Bonnard, Maurice Denis, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton, Georges Lacombe. Era un conjunto compuesto, principalmente, por artistas jóvenes del ambiente artístico de París.

Paul Ranson

Eduard Vuillard

Existen dos tendencias en la pintura nabis:

Espiritual: Es más cercana a la ideas de Gauguin, más romántica. Tiene una mirada hacia la Edad Media, una vuelta al primitivismo y a la simplificación. Mezcla el simbolismo y el romanticismo en temas acerca de la Edad Media, temas bíblicos...Sus principales figuras son Paul Sérusier y Maurice Denis.

Paul Serusier

Decorativista: Es más cercana al impresionismo y a las ideas de Degas. Tiene un interés por el arte oriental (estampa japonesa): formas planas, composiciones descentradas, perspectivas en altura... Los temas que tratan suelen ser interiores burgueses, y sobre todo los más intimistas (cuartos de baño). Se define por las iluminaciones artificiales, enfoques cambiantes y el horror vacui. Sus obras se utilizaron también como papeles pintados, vidrieras, decorados escenográficos... Sus principales figuras son Pierre Bonnard y Édouard Vuillard.

Eduard Vuillard

(Vía Wiki y Goodblogs)

LEER PARA ILUSTRAR

2012-02-13T15:28:00.000-08:00

De lo espiritual en el arte

por Wassily Kandinsky

Texto online

Este libro, de IMPRESCINDIBLE lectura, propone esencialmente despertar la capacidad de captar lo espiritual en las cosas materiales y abstractas, capacidad que Kandinsky intuía básica para la pintura del futuro y con posibilidades de hacer realidad innumerables experiencias.

Aunque Kandinsky se expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y suele resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones sensoriales y lingüísticas, el texto ostenta un estilo impecable y ha acabado ejerciendo, gracias a su gran poder comunicativo, una influencia profunda e indiscutible.

Via Galería de Arte

SOMBRAS CHINESCAS

2012-02-12T09:13:00.000-08:00

En un encuentro entre amigos, este fin de semana, tuve la grata sorpresa de ver un video sobre "Los tres cerditos" realizado con marionetas de sombras chinescas que, de forma casera, habían creado para amenizar la velada navideña a los niños y niñas de familiares, amigos y vecinos. Tenían especial gracia los recortes, a pesar de haber sido diseñados y confeccionados en muy poco tiempo.

El pequeño espectáculo me recordó a la visita que hice hace unos años a la exposición de marionetas del teatro de sombras de Java, en la Biblioteca Regional, con los alumnos de Proyectos de Ilustración.

Estas marionetas, de origen asiático, fueron declaradas por la UNESCO Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad (2003).

La exposición contaba con numerosos ejemplos de marionetas de tela y madera en tres dimensiones y otras planas realizadas en cuero, con recortes de verdadera filigrana. Además, había un pequeño escenario, réplica de los utilizados tradicionalmente en los espectáculos ambulantes del teatro de sombras. Terminó la visita con una breve representación que fue una autentica delicia, música incluida.

Wayang kulit es un teatro de sombras protagonizado por marionetas, tradicional de Indonesia y Malasia

Marionetas planas de cuero

Estas marionetas recortadas se extendieron en Alemania y Francia, y fueron utilizadas como inspiración por la animadora alemana Lotte Reininger.

Buscando un fragmento de su obra más conocida "Las aventuras del Principe Achmed", he encontrado esta maravillosa animación basada en la ópera de Mozart, "La flauta mágica", pero podéis encontrar otros cuentos como Cenicienta o Pulgarcito. Recomiendo su visionado, hacerlo sin prisas disfrutando de cada detalle, de los fondos, de las figuras, las transformaciones y su gran atracción visual.

Jack y las judías mágicas

Blancanieves y Rosarroja

El animador francés, Michel Ocelot también ha trabajado a partir de la estética del recortable, como en el cortometraje de animación "Princes et Princesse" (francés con subtitulos en castellano e inglés) o "Dragons et Princesses" (en francés). Que recomiendo por su delicada belleza, tanto en la narración como en sus recursos visuales donde incluye el color.

Podéis ver también el trailer de su última animación "Les Contes de la nuit en 3D". Y la animación "3 inventos".

Y por último, damos un giro a la cámara e incluso al tema que nos lleva esta entrada. Pero me parece interesante que giremos también nosotros nuestro foco de atención, las ilustraciones y animaciones, y hagamos una reflexión sobre el espectador de la obra de arte.

Herz Frank y Juris Podnieks (camarógrafo), filmaron este cortometraje experimental, "Ten minutes older", rodado en un único plano secuencia de diez minutos y en una única toma, retrata los rostros de un niños que contemplan una obra de marionetas en la que se representa una lucha entre el bien y el mal. Su título hace referencia a uno de los niños, que experimenta, en diez minutos, todas las emociones que repetirá a lo largo de la vida: alegría, emoción, miedo, pena. (fuente Wikipedia)

Ilustrar es recorrer el camino hacia uno mismo

2012-02-01T08:59:00.000-08:00

En la tarea de enseñar, aunque a mi me gusta más la tarea de guiar, no solo tenemos la labor de mostrar el camino a los alumnos y alumnas hacia la profesión en la que se han iniciado, formándoles en técnicas, procedimientos, conceptos... sino que, como enseñanza completa e integral debemos transmitirles actitudes y valores.

En más de una ocasión me he encontrado con alumnos que encuentran obstáculos a la hora de expresar, de transmitir, de encontrar el camino hacia uno mismo para encontrar su propio camino hacia la creación.

Hoy no os recomiendo ningún artista ni ningún ilustrador, os invito a reflexionar sobre vosotros. Si mucho me ha enseñado mi propia experiencia, es, que sólo cuando estamos centrados, seguros y tranquilos podemos dedicarnos de forma plena a cualquier profesión, en este caso la de creadores de imágenes.

Estas 83 flores, espero, que os ayuden a ilustrar desde vuestro interior, y sobretodo a disfrutar con todo aquello que imaginéis.

83 mandamientos... 83 flores

Diego Rivera, 1887-1957, destacado Muralista mexicano

'Justificar un error demuestra que aún estamos dormidos,

Justificar un error es otro error, pero más grave.

Bendice al error, porque él es la más clara señal de donde debes mejorar tu atención'

JMarc Boyer

Vito Acconci, Seed Bed. 1972

Vía Tao-Sai... Ser, Amor, Intuición...

Oro puro

2012-01-24T12:26:00.000-08:00

Nuestro Pedro

Compañero y maestro que nos sigue ilustrando.

JIMMY LÍAO

Y un enlace de un ilustrador taiwanés que me ha mostrado vuestro compañero, Roberto Solorzano, y son una preciosidad sus ilustraciones. Que las disfrutéis!! Sin colores puros, ni saturados y con mucha interacción cromática....

JIMMY LÍAO

Nació en Taipei (Taiwán) en 1958 y se licenció en Bellas Artes.
Después de una brillante trayectoria de doce años en el mundo de la publicidad, una leucemia le obligó a replantearse su vida: a los cuarenta, abandonó su empleo en una agencia para dedicarse por entero a escribir y dibujar sus propias historias, dirigidas tanto al público infantil como al adulto. A día de hoy, Jimmy ha publicado diecisiete libros, que han sido traducidos al inglés, francés, alemán, griego, japonés, coreano y español, entre otros idiomas. Varios de ellos, además, han sido adaptados al cine. Sin duda, es el ilustrador asiático más conocido del momento.

(Biografía tomada de Barbara Fiore)
Vía Kireei

Recomiendo encarecidamente la lectura de "La interacción del color" de Joseph Albers, todo un clásico que no hay que pasar por alto en el oficio de ilustrar.

GINA & MATT

2012-01-21T12:48:00.000-08:00

Un par de ilustradores americanos, Gina & Matt, from Filadelfia. Me detengo en Gina Triplett, ha trabajado para importantes marcas como Apple; pero os la enlazo por su particular forma de utilizar el color (gouache) y el negro (tinta).

Espero que os sirva de inspiración y os lleve a nuevas posibilidades creativas, que son infinitas.

Vía Ilustration Friday

Fotografías animadas

2012-01-20T08:35:00.000-08:00

Más en La boite verde

Vía Apuntes de foto, profesora Mónica Lozano

"Quien no tenga dificultades al comienzo las tendrá, y peores, más adelante"

2012-01-19T15:25:00.001-08:00

ZEN

EN EL ARTE

DEL TIRO CON ARCO

(Bungaku Hakusi)

"De tanto ver ya no vemos nada...

2012-01-17T13:19:00.000-08:00

...El exceso de visión conduce a la ceguera por saturación"

Que no todo sea ilustrar, aunque Fontcuberta nos aporta una teoría interesante sobre la post-fotografía que podría aplicarse perfectamente a la ilustración digital, donde la huella del medio, el trazo del ilustrador, la factura de su pincelada queda atrapada en los datos de la tarjeta de memoria.

JOAN FONTCUBERTA. "La Cámara de Pandora" from aaaaarte on Vimeo.

Más allá de lo visible. Metáfora y metonimia

2012-01-16T14:37:00.000-08:00

La metáfora (del griego μεταφορά, formado a partir de la preposición μετά, metá, «más allá, después de», y el verbo φορεῖν, phorein, «pasar, llevar») consiste en la identificación entre dos términos, de tal manera que para referirse a uno de ellos se nombra al otro. WIKIPEDIA.

La metonimia (griego: μετ-ονομαζειν met-onomazein [metonomadein], es “dar o poner un nuevo nombre”», o transnominación, es un fenómeno de cambio semántico por el cual se designa una cosa o idea con el nombre o imagen de otra, sirviéndose de alguna relación semántica existente entre ambas.

Fuente: WIKIPEDIA

Una de las características intrínsecas de la metáfora es su sentido de ausencia y visibilidad. Partimos de dos elementos, el de origen y el de destino, que son asociados por semejanza o analogía. Pero lo realmente extraño es que, esa asociación creativa de elementos se realiza a través de la ausencia de uno y la visibilidad del otro. La ausencia del objeto/concepto que se oculta, origen del significado, es aquél que queda fuera del marco de la imagen. EL objeto visible, más abstracto y complejo, puede ser percibido pero no constituye la esencia de la imagen.

Raúl para la revista Magazine de EL Mundo

La metáfora, en su conjunto, ofrece un sentido que va más allá (meta) del supuesto mundo objetivo que registra la imagen; es la creación de un nuevo significado a partir de la experiencia cotidiana de los objetos, de la realidad física y de los significados simbólicos culturales que hacen posible nuevas relaciones, y por tanto, significados inéditos dentro de un discurso de ficción.

La metáfora nos permite ir más allá de lo real, construir nuevos saberes, aportar un valor poético a partir de lo cotidiano y un espacio trastocado.

Pep Monserrat para EPS

La vida es una metáfora, como dice Mario Ruoppolo. El mundo es una metáfora de otra cosa. Os recomiendo este fragmento de "El cartero y Pablo Neruda" de Massimo Troisi. Aunque se refiera a la metáfora literaria, queda muy bien expresado también para la metáfora visual.

El fotógrafo, Chema Madoz, es un poeta de la metáfora fotográfica, aunque más próximo a la metonimia, donde el tropo visual no "vacía de significado" al objeto original sino que lo desplaza y lo cambia por otro, en el podeis descubrir el sentido de lo ausente y lo visible.

Chema Madoz, Metonímia metafórica

Y por último, Joan Brossa, poeta visual y sus sencillos giros sintácticos.

Joan Brossa, El piano. Poesía Visual

El Macba, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, reúne todo el legado del poeta vanguardista catalán Joan Brossa, con más de 60.000 objetos, la gran mayoría de ellos inéditos, que comprenden documentos, libros, publicaciones, carteles, fotografías y sus reconocidos poemas visuales.

CLUTO

2012-01-15T04:19:00.000-08:00

SK8-bit from cluto on Vimeo.

Curioso video by Cluto que muestra un juego realista de skate con gráficos de 8 bits (algo parecido a lo pixelado de Atari 2600).

Se trata de un proyecto escolar. El concepto fue crear un trailer de anuncio de un videojuego falso. SK8-bit es un juego en 3D con una cosa de estilo visual de arte píxeles 2D. El material fue rotoscopia a mano en Photoshop; no hay filtros de vídeo locos ni nada por el estilo. Utilicé After Effects para las transiciones y componer la pieza final.

Via Cluto y Radastan

YUNMEE KYONG

2012-01-11T10:55:00.000-08:00

Una portada de Yunmee Kyong para un libro de Amelie Nothomb

Os enlazo esta ilustradora o art therapist, como se autodenomina, koreana y afincada en Nueva York, pues os puede venir bien para la actividad sobre tinta y gouache (Técnicas de Ilustración, 1º), además de tener deliciosas ilustraciones. !Qué las disfruteis!

Por cierto, la que entrevista a Yunmee Kyong es otra ilustradora koreana, Yuko Shimizu, ambas trabajan para la ilustración de moda, así como, otros géneros ilustrativos.

Yuko Shimizu

Vía Illustration Friday (in English)

TOM GAULD

2012-01-09T07:46:00.000-08:00

Hairy Monster triptych

Tom Gauld is a cartoonist and illustrator. He draws a weekly cartoon for the Guardian newspaper and has created a number of comic books. He lives and works in London. Via Tom Gauld

Ilustraciones basadas en la línea y colores planos, sintéticas, simples pero expresivas y llenas de pequeños guiños de Tom Gauld, este artista trabaja la tira gráfica y la ilustración para The Guardian. Me gusta la sutileza, el color cálido y desaturado y sus espacios en blanco. Recomiendo especialmente su skechbook, monstruos, robots y personajes estilizados.

¿Qué es fondo?

2012-01-08T01:31:00.000-08:00

VIOLETA LOPIZ
Este trabajo de Violeta Lopiz, seleccionado para la feria de Bologna, explica a los niños qué es fondo en el arte. Sencillo y claro.

1.el fondo es lo que hay detràs

2.el fondo es lo que hay detràs, arriba, abajo, a un lado y a otro

3.el fondo es dentro, fuera y es una superposiciòn de planos

4.el fondo como contexto

5.haz tus propios fondos

Vía Violeta Lópiz

Un blog con CUATRO COSAS

2012-01-07T17:05:00.000-08:00

Interesante página 4ojos de Antonia Santolaya y Enrique Flores, el blog Cuatro cosas y 15M: cuaderno de SOL, imprescindible para acercarte a la ilustración, con muchos enlaces interesantes.
!Qué lo disfruteis, aunque hay que echarle algo de tiempo!

Contado tiene menos gracia. Proyectos finales

2011-12-18T11:16:00.000-08:00

El efecto Grant Morrison, por Ángel Palomo

ÁNGEL PALOMO

Los proyectos finales de cada especialidad es la formación que culmina los estudios de los Ciclos Superiores de Artes Plásticas y Diseño. En ellos, nuestro alumnado demuestra, no sólo lo que ha podido aprender (y desaprender) tras el paso por nuestra escuela, sino cómo sus inquietudes les han llevado a realizar un proyecto con entusiasmo y profesionalidad.

Tanta responsabilidad tenemos, en este increíble proceso de (trans)formación, el profesorado como el propio alumnado, que con su amor a la profesión llega, muchas veces, a cotas más altas de las que se podría alcanzar en apenas dos años. Y por ello, no dejan de sorprenderme.

El alumno y joven ilustrador Ángel Palomo presentó, el 16 de diciembre en nuestro centro, su Proyecto Final Contado tiene menos gracia, un webcómic autobiográfico lleno de frescura y franqueza.

Espero que todos tengan un futuro profesional generoso en el campo de la Ilustración, aunque lo realmente importante es que disfruten del trabajo de ilustrar.

!!!!Enhorabuena al alumnado de Proyecto Final!!!

(Y mucha suerte a los de Fotografía, Escultura, Joyería y Modelismo y Maquetismo en ésta semana)

Otros webcómic que recomendó Ángel en su proyecto fueron:

- El estafador
- Penny Arcade
- XKCD
- Jeffrey Brown

La leyenda del Piano, por Ángel Palomo

Creatividad, ¿para qué te quiero?

2011-12-16T09:40:00.000-08:00

GINA THORSTENSEN

Pintura mural, libros comestibles, esculturas y muñecos, ilustraciones, diseño de papeles, texturas y textiles, animaciones, exposiciones, talleres...

Gina Marie Thorstensen, es una original y polifacética ilustradora danesa, que trabaja entre Barcelona y Copenhagen. Curiosear por sus distintos blogs y página web no deja de sorprender por su inagotable libertad creadora.

Cinta Arribas Rodríguez

2011-12-15T10:01:00.000-08:00

CINTA ARRIBAS

Disfrutar de las simpáticas ilustraciones, lejanas a estéticas académicas y repletas de expresividad de Cinta Arribas, una joven ilustradora de Santiago de Compostela.

Para la revista ECO

Pintura mural

Dos regalos de mi querido Pedro Ayala. Mañana, el otro.

Ilustraciones que respiran

2011-12-12T02:09:00.000-08:00

çSANTTU MUSTONEN

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SANTTU MUSTONEN

Ilustrador finlandés, afincado en Amsterdam. Realiza estas curiosas y gelatinosas lustraciones trabajando la textura, el color y el mismo objeto, en pequeños movimientos repetitivos. Os dejo el enlace de su web.

Vía selva.archives

Un poco de inspiración, espiración

2011-12-07T02:03:00.000-08:00

INGELA PETERSON ARRHENIUS

Un ejemplo gráfico de cómo los elementos que "buscamos" casualmente pueden enriquecer nuestras ilustraciones y hacerlas particularmente personales en cuanto a estilo.

En definitiva, la inspiración hay que buscarla, otra cosa es que nos guste lo que encontremos.

Inspiration I
Inspiration II

ORISINAL y relax...

2011-12-05T03:21:00.001-08:00

Delicioso videojuego para entretener, relajar, recrear los sentidos y dejar pasar el tiempo

Orisinal

FONTCUBERTA, híbridos sobre fotografía

2011-12-02T08:45:00.001-08:00

La creación de animales fantásticos, no solo las encontramos en las antiguas mitologías aztecas, egipcias, griegas, etc, en el arte occidental, en el diseño de personajes para videojuegos o en la ilustración editorial. El fotógrafo Joan Fontcuberta experimenta con nuevas especies animales e incluso vegetales. Interesantes, poéticas y extrañas sus imágenes en varios de sus proyectos fotográficos. Herbolarium y Fauna son algunos de ellos.

Manual de Uso creativo. Ilustración técnica

2011-12-02T04:34:00.001-08:00

Guía de Yoga por Pep Montserrat

...Hacer un trabajo de las características de “La meva guia de ioga” implica algunos principios que no siempre son fáciles de resolver: la claridad expositiva, la facilidad de lectura o el rigor en cuanto a la exactitud de la información son algunos de ellos.

Así, hubo que dibujar pies, manos, torsos y cabezas en posiciones que ni los embellecían ni los hacía más fáciles de representar, pero que necesariamente debían ser mostrados en el ángulo y la posición en que se muestran para no faltar a la veracidad de la información, con las dificultades que eso entrañaba en ocasiones respecto a no restarle armonía al conjunto…

KEITH HARING como inspiración

2011-12-01T00:56:00.001-08:00

Algo que aprender de la pintura sobre muro (graffiti) de Haring

Keith Haring

Ilustración y diseño en los novenos Encuentros de APIM

2011-11-30T08:28:00.001-08:00

← Cartel de los Encuentros, a cargo de Alberto Díaz

Los próximos 2 y 3 de diciembre, en la Central de Diseño/DIMAD de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera 14, 28045 Madrid), la Asociación Profesional de Ilustradores de Madrid (APIM)organiza sus IX Encuentros con Ilustradores Profesionales. En esta ocasión, las charlas y mesas redondas se centrarán en torno a «los sutiles límites existentes entre la ilustración y el diseño gráfico», en lo que supone «una cita de profesionales de ambas ramas en una invitación al diálogo y la reflexión».

El viernes, día 2, la actividad comenzará a las 19:00, con la mesa redonda «Diálogos entre ilustración y diseño», con Ángel de Pedro y Jacobo Pérez-Enciso (directivo de DIMAD), moderados por Pablo Jurado (presidente de APIM); en ella se tratarán temas como los puntos comunes entre la ilustración y el diseño, las concomitancias entre ambas profesiones y el «doble valor» de la ilustración.

Ya el sábado, será a las 10:30 cuando dé comienzo la mesa redonda «La ilustración: una presencia activa en la sociedad», con Pablo Ferrer (diseñador del estudio Lab_matic), Sara Moreno (presidenta del Consejo General del Libro Infantil y Juvenil) y Fernando Agresta(director artístico en la editorial Edelvives); se tratarán, entre otras cuestiones, la presencia social de la ilustración; cómo utilizan la ilustración las instituciones, o la importancia de la ilustración en el sector editorial. A las 12:00, la mesa será la titulada «Otras formas de ilustrar», conMilimbo y Dani Sanchis, moderados por El Rubencio.

Para finalizar, a las 13:15 será el acto de nombramiento de Antonio Mingote como socio de honor de APIM, y a las 13:30 la clausura de los Encuentros, con un vino para todos los asistentes.
29 de noviembre de 2011
http://www.fadip.org/?p=1687

PAPER ART

2011-11-30T00:47:00.001-08:00

Jo Lynn Alcorn

Recomendado por Marta Muñiz, de 1º Ilustración

Daniel Bueno

2011-11-27T10:18:00.001-08:00

PORFOLIO

Ilustraciones para pensar

2011-11-27T04:49:00.001-08:00

Ilustraciones para pensar

No me han enviado el autor, pero nos gustaría conocerlo.

Sobre Lotte Reininger y Su Blackwell...

2011-11-26T07:39:00.001-08:00

My Little Suede Shoe

"Una película de siluetas es una película de figuras negras de contornos claramente definidos, una película de recortes a tijera. De inspiración en el teatro de sombras chinescas, las películas de siluetas tienen una técnica muy precisa, sólo son necesarias unas tijeras, cartón negro, papel de calcar, hilo o alambre, algo de plomo, una cámara, bombillas, una placa de vidrio, madera para construir una mesa de fotografía y... mucha paciencia." L.Reininger

HÍBRIDOS

2011-11-24T08:43:00.001-08:00

Edwar Gorey