ACUARELA. TÉCNICA Y AUTORES
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| Caja de acuarelas. Óscar Molina |
La principal cualidad de esta técnica es la transparencia de los colores, y su mayor dificultad estriba en el hecho de que es muy difícil corregir un fallo. Su técnica es rápida, espontánea y requiere de una gran destreza y soltura. Para trabajar la acuarela de una manera opaca, es mejor opción el trabajo con guache.
El modo más usual de trabajar la acuarela consiste en respetar el blanco del papel (por sustracción), donde deseemos ese color, y vayamos pintando de más claro a más oscuro, aplicando veladuras de color transparente.
Sin embargo, es un medio muy flexible, y, como puede observar, obras de grandes artistas, los resultados obtenidos con la acuarela pueden variar enormemente.
El modo más usual de trabajar la acuarela consiste en respetar el blanco del papel (por sustracción), donde deseemos ese color, y vayamos pintando de más claro a más oscuro, aplicando veladuras de color transparente.
Sin embargo, es un medio muy flexible, y, como puede observar, obras de grandes artistas, los resultados obtenidos con la acuarela pueden variar enormemente.
¿QUÉ ES UN ART-TOY?
Un art toy es lo que se llama un juguete de diseñador. Esta corriente comenzó hace 20 años.
Un ejemplo muy conocido de esto son las figuras basadas en lego y playmobil que representan personajes de cine, tele, etc.
Los amantes de la cultura “pop” comenzaron a coleccionar estas figuras de edición limitada de la marca Kubrick. Debido a este éxito, comenzaron a sumarse representantes de otras culturas como la “punk”. De ahí se extendió por toda Europa y luego America; esto ultimo gracias a la compañía Kidrobot.
Vía ¿qué es un art-toy?
Un ejemplo muy conocido de esto son las figuras basadas en lego y playmobil que representan personajes de cine, tele, etc.
Los amantes de la cultura “pop” comenzaron a coleccionar estas figuras de edición limitada de la marca Kubrick. Debido a este éxito, comenzaron a sumarse representantes de otras culturas como la “punk”. De ahí se extendió por toda Europa y luego America; esto ultimo gracias a la compañía Kidrobot.
Vía ¿qué es un art-toy?
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| Maritxel Duran, esculturas |
ILUSTRANDO LOS ÁRBOLES MONUMENTALES DE LA REGIÓN DE MURCIA (I)
La Escuela de Arte de Murcia está colaborando estos días finales de curso con la empresa de servicios forestales y paisajísticos, Serbal, ubicada en Alhama de Murcia. Esta colaboración consiste en retratar algunos de los árboles monumentales, los árboles más ancianos de nuestra región. Serán los alumnos y alumnas de segundo curso de Ilustración los encargados de realizar los dibujos ilustrativos en el ámbito de la ilustración científica. La empresa Serbal nos ha documentado detalladamente sobre cada uno de estos árboles, mediante fotografías, textos y dibujos etc. Las ilustraciones se podrán ver terminados en el página web de la empresa, donde los alumnos darán a conocer su trabajo.
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| Ramas que apoyan en el suelo para sostener uno de los árboles monumentales, el Pino de las Águilas |
ILUSTRACIÓN CIENTÍFICA. PANORAMA GENERAL
Cuando hablamos de ilustración científica, nos referimos a un tipo de dibujo muy detallado, con el propósito de reafirmar visualmente los textos de investigadores de disciplinas como: astronomía, arqueología, medicina, botánica, zoología, etc.
Es decir, la ilustración científica es aquella ilustración cuya función es la de comunicar y expresar una información concreta a través de registro (mecánico o manual) de imágenes al servicio de la ciencia.
La ilustración científica, desde los bestiarios hasta las enciclopedias, expediciones y relatos de viaje, así como las guías nos han dado a conocer nuestro entorno. Han sido una fuente de conocimiento y acercamiento a la naturaleza.
ILUMINACIÓN EN ILUSTRACIÓN Y EN EL ARTE
1.- Fuentes de luz2.- La luz del sol3.- Tamaño de la fuente4.- Distancia de la fuente5.- Distancia objeto - fondo6.- Dirección de la luz7.- Texturas
8.- Esquema básico de iluminación
TINTAS. ACTIVIDAD.
ESTUDIO HISTÓRICO ARTÍSTICO. METAMORFOSIS DE KAFKA
ANTECEDENTES.
Os dejo un ejemplo de un breve estudio histórico para una memoria de un anteproyecto
ANTECEDENTES.
Os dejo un ejemplo de un breve estudio histórico para una memoria de un anteproyecto
La metamorfosis, Franz Kafka
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| Ilustración Original (1916) |
TINTAS. TÉCNICAS. AUTORES
*por Colin Hayes
Las tintas al agua para dibujo, especialmente para artistas, se secan en una película dura y algo brillante, que permite aplicar encima otro color. Los dibujos terminado tienen una calidad de apariencia impresa. Se fabrican en varios colores: Grümbacher, 17 colores, Widsor and Newton, 22 colores. La tinta chica no es más que tinta de dibujo negra.
Tintas no resistentes al agua. Existen algunas especiales para dibujo, en varios color, que son similares a acuarela diluida. Penetran en el papel más que las tinta de dibujo y se secan con acabado mate. También se puede dibujar con tinta de escribir, pero la gama de colores es limitada.
Las tintas al agua para dibujo, especialmente para artistas, se secan en una película dura y algo brillante, que permite aplicar encima otro color. Los dibujos terminado tienen una calidad de apariencia impresa. Se fabrican en varios colores: Grümbacher, 17 colores, Widsor and Newton, 22 colores. La tinta chica no es más que tinta de dibujo negra.
Tintas no resistentes al agua. Existen algunas especiales para dibujo, en varios color, que son similares a acuarela diluida. Penetran en el papel más que las tinta de dibujo y se secan con acabado mate. También se puede dibujar con tinta de escribir, pero la gama de colores es limitada.
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| Rohrer-Klingner tinta tradicional |
REPRESENTACIÓN DEL ESPACIO EN EL ARTE.
INDICE
9.1. El espacio en las obras bidimensionales.Recursos para representar el espacio: tamaño, objeto tridimensional, ubicación espacial.
9.2. La luz, el modelado y el claroscuro.
9.3. El encaje y el sombreado.
Aquí os dejo el E-BOOK de la UD. 9. LA REPRESENTACIÓN DEL ESPACIO EN EL ARTE.
Os dejo también el CUADERNO DE LECTURA DEL THYSSEN
9.1. EL ESPACIO EN LA OBRAS BIDIMENSIONALES.
La realidad en que nos encontramos inmersos es una realidad tridimensional, que posee una altura, un ancho y una profundidad, sin embargo las representaciones bidimensionales se realiza en el plano bidimensional.
Los artistas emplean diferentes recursos para crear la sensación de un espacio ilusorio. Recursos para representar el espacio: tamaño, objeto tridimensional, ubicación espacial.
En multitud de obras percibimos la sensación de profundidad gracias a recursos y convenciones graficas que permiten representar el espacio ilusorio.
ILUSTRACIÓN EDITORIAL. LIBRO
PANORAMA ESPAÑOL DE LA ILUSTRACIÓN EDITORIAL
* Directora de la revista Clij (Cuadernos de Literatura Infantil y Juvenil)
TENDENCIAS: Un siglo que pudo ser de oro
por Victoría Fernández*
* Directora de la revista Clij (Cuadernos de Literatura Infantil y Juvenil)
El siglo XX amaneció muy prometedor para la ilustración de libros infantiles en España. El primer tercio (1900-1936), tiempo de vanguardias artísticas, fue uno de los periodos más estimulantes y vitalistas de la historia de la cultura española. Se alcanzaba la modernidad y, con ella, las artes gráficas, la industria editorial y la prensa periódica experimentaron un gran desarrollo que, a su vez, propició la difusión de la obra de un grupo excepcional de artistas plásticos de la época, entre los que se encuentran los precursores de la ilustración española de libros para niños.
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| Publicaciones y portadas y de la editorial Calleja |
ACTIVIDAD TÉCNICAS. CERAS. WAS CRAYON
Edición de Phaidon de “1.080 recetas” de Simone Ortega, con 400 ilustraciones de Mariscal que expresan una cocina alegre, fácil y mediterránea.
La editorial británica Phaidon decide editar el exitoso libro de Simone Ortega, un compendio de recetas básicas asequibles para cocineros novatos. Desea una edición muy cuidada, como un libro-objeto con el valor artístico de las ilustraciones de Mariscal, y recurre a Estudio Mariscal para su diseño.
"Al abordar su diseño decidimos que respire la misma simplicidad que la obra, poniendo énfasis en el ritmo y en que el orden de las secciones lo haga muy manejable, algo imprescindible en un libro que no se lee linealmente. El diseño abierto de la maqueta ha permitido que cada receta empiece y acabe en la misma página. Mariscal dibuja cerca de 400 ilustraciones de estilo realista, con tizas, para hacer trazos rotos que expresan un feeling concreto: el de una cocina alegre, sencilla, fácil, cotidiana, nada sofisticada ni compleja."
DECÁLOGO DE IDEAS SOBRE EL ARTE. KANDINSKY
Estas son las ideas más importantes que plantea Kandinsky, en De lo espiritual en el arte, desde el punto de vista de Esther Gº Guardiola, alumna de 2º Ilustración, y que recojo en este blog, pues me parece un muy buen resumen del libro.
1.-“El arte es hijo se su tiempo”, por tanto, da respuestas a cada periodo histórico.
2.-El arte sirve al desarrollo y a la sensibilización del alma humana, por lo que ayuda a abrir consciencia. Lo que Kandinsky llama, movimiento del triángulo (sería equivalente al movimiento
de la consciencia).
3.-“El arte tiene “qué” (alma), que sin cuerpo, el “cómo”, no puede llevar una vida completa y sana, al igual que un individuo”. El arte ha sido utilizado para fines materiales exclusivamente, perdiendo el alma, y Kandinsky defiende que el arte debe tener alma y cuerpo.
4.-“El ser humano en general tiende a lo externo, y no esta dispuesto a reconocer la necesidad interior”.
5.-Compara la música con la pintura. Defiende que al igual que la música no esta basada en fenómenos de la naturaleza y es capaz de expresa el mundo interior del artista, la pintura, al igual que la música, puede expresar a través de las formas y los colores, melodías y sinfonías, abstractas, que expresen este mundo interior del artista. El número de colores y formas son infinitas, por tanto son infinitas sus combinaciones.
6.-El color tiene efectos físicos y psicológicos al espectador.
7.- “Es la intuición quien da vida a la creación”. Por tanto hay que cultivar y cuidar esa intuición.
8.- “El espíritu, como el cuerpo, se fortalece y desarrolla con el ejercicio”. Kandinsky defiende que hay que hacer ejercicios, y conocer y analizar el color. Él en su libro hace un análisis sencillo del color.
9.-Cuando vemos una obra de arte tenemos que bucear en su alma. Al igual que cuando tenemos una conversación interesante con una persona, buceamos en su alma, no nos paramos en que palabras dice, como son los sonidos que emite, etc…nos paramos en su rostro interior, sus pensamientos y sentimientos.
10.-El artista debe sentir libertad absoluta para escoger sus medios de expresión artística.
11.-El artista debe ahondar en su propia alma, cuidarla y desarrollarla para que su talento externo tenga algo que expresar.
DE LO ESPIRITUAL EN EL ARTE. VASILI KANDINSKY
Bello es lo que brota de la necesidad anímica interior, bello es lo que es interiormente bello.
Estos últimos días de vacaciones releo el libro del maestro que trazó el camino hacia la abstracción del arte, Kandinsky y De lo espiritual en el arte.
UN RINCÓN PARA SOÑAR
Por casualidad, casi no veo la televisión, he tenido la suerte de ver un fragmento del programa Redes, dirigido y presentado por Eduardo Punset.
ACTIVIDAD TÉCNICAS. BOLÍGRAFO
SIETE PECADOS CAPITALES
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| Sietes pecados capitales representados por siete animales por François-Marie Balanant |
TÉCNICA. EL BOLÍGRAFO. ILUSTRADORES.
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| Andrea Joseph |
EL BOLÍGRAFO. ORIGEN
El bolígrafo tiene su origen en Argentina, fué inventado y patentado por Ladislao Biro, de origen húngaro, que perfeccionó y patentó este popular instrumento y pronto fué adoptado por todos los paises del mundo para una escritura ágil y ligera.
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| Primer bolígrafo marca "birome", made in Argentina |
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| Propaganda en Revista Argentina "Leoplán" de 1945 promocionando el primer bolígrafo comercial, marca "birome" |
DAIN FAGERHOLM. DIBUJOS EN MOVIMIENTO
La genialidad del artista Dain Fagerholm ha sido capaz de producir con sólo un bolígrafo y algunas ideas creativas estas imágenes en 3D. Sospecho que utiliza algún tipo de software 3D para modelar su contenido (o simplemente para manipularlo) creando unos fotogramas de animación. Sin embargo, el resultado es nada menos que increíble. Nos maravillamos sobre la locura que quesería que estos dibujos pudieran estar en la pantalla sin tener que pasar por ningún tipo de proceso de manipulación 3D posterior. La creatividad de Dain hace de Internet un lugar cada vez más interesante para estar al día. Tal vez pronto veremos todo un sitio Web basado en esta técnica. Seguro sería épica.
METÁFORA Y SURREALISMO
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| André Breton |
La imagen es una creación pura del espíritu. La imagen no puede nacer de una comparación, sino del acercamiento de dos realidades más o menos lejanas. Cuanto más lejanas y justas sean las concomitancias de las dos realidades objeto de aproximación, más fuerte será la imagen, más fuerza emotiva y más realidad poética tendrá…
André Breton
AZUL. PSICOLOGÍA DEL COLOR. EVA HELLER
SOLO VEMOS LO QUE SABEMOS
Víctor Hugo manifestó “L'Art c'est l'azur” (El arte es azul)
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| Odilón Redón |
APLICACIONES DEL COLOR
Grafismo funcional de Abraham Moles
1. REPRESENTACIÓN O REALISMO
Color denotativo, vinculado al mundo de la representación real.
Variables: icónico, saturado y fantástico.
1. REPRESENTACIÓN O REALISMO
Color denotativo, vinculado al mundo de la representación real.
Variables: icónico, saturado y fantástico.
PRENSA. AQUÍ Y AHORA
ILUSTRADORES DE PRENSA EN ESPAÑA
RAÚL
En Visualmente podemos leer una entrevista a Raul, uno de los ilustradores de prensa más importantes en este país, por su inteligente y sutil utilización de la metáfora visual, su técnica en el dibujo y la composición y su lenguaje tan personal y resonante de conceptos e ideas nuevas.
ILUSTRACIÓN EDITORIAL. PRENSA. ANTECEDENTES.
La ilustración de prensa es la elaboración de una imagen crítica, de opinión, que se apoye en el análisis de un artículo. La propia publicación en periódicos limita el tiempo de trabajo para el ilustrador. En revistas y magazines (semanal, mensual o trimestral) hace posible disponer de más tiempo para el proceso de creación.
En la ilustración de prensa si tiras del hilo y habrá historia.
En la ilustración de prensa si tiras del hilo y habrá historia.
BIC MEDIUM
Sin lugar a dudas, el Bic medium recomendado por Lucía G. Borrajo, alumna de 2º de Ilustración, es el mejor bolígrafo para dibujar que he encontrado hasta la fecha. Lo he probado y comparado con el bic normal, y tanto en el color como en el trazo hay una gran diferencia.
BIENVENIDOS AL SUBMUNDO DE KAZ
6 ILUSTRADORES OPINAN
ARNAL BALLESTER
Proyectos de Ilustración
La profesora, Carmen Iranzo, publicó, hace unos años, unas entrevistas a seis ilustradores españoles utilizando las mismas preguntas, de manera que podieramos indagar en las motivaciones, procesos creativos, significados de la ilustración, a través de sus palabras e imágenes. El libro se titula "6 ilustradores opinan", y ha sido una buena aportación para el acercamiento a esta disciplina, tan individual y solitaria como es la ilustración.
"El libro presenta una serie de
entrevista y selección de trabajos y autores entre los que se encuentran
Arnal Ballester, José Luis Cano, Meritxell Durán, Isidro Ferrer, Pep
Montserrat y Raúl. Su selección obedece a criterior subjetivos que no
son sino los derivados de haber seguido, desde hace tiempo, su pista de
forma intuitiva e independiente por parte de la autora. Sus
ilustraciones, tan distintas entre sí, pertenecen sin embargo a
personalidades y experiencias convergentes".
Empezamos leyendo la entrevista de Arnal Ballester. Arnal es ilustrador (editorial, prensa y portadista) y profesor en la Escola Massana d’Art i Disseny de Barcelona. Ha recibido innumerables premios como el Premio Nacional de Ilustración de Libros para Niños del Ministerio de Cultura en 1993 y publicado títulos tan interesantes como "No tinc Paraules" (Mediavaca 1998), narración en imágenes.
Comentamos la entrevista el miércoles 21, y publicamos un resumen y comentario en el blog sobre el texto, así como, una ilustración de Arnal Ballester, que más nos haya hecho resonar.
Proyectos de Ilustración
La profesora, Carmen Iranzo, publicó, hace unos años, unas entrevistas a seis ilustradores españoles utilizando las mismas preguntas, de manera que podieramos indagar en las motivaciones, procesos creativos, significados de la ilustración, a través de sus palabras e imágenes. El libro se titula "6 ilustradores opinan", y ha sido una buena aportación para el acercamiento a esta disciplina, tan individual y solitaria como es la ilustración.
"El libro presenta una serie de
entrevista y selección de trabajos y autores entre los que se encuentran
Arnal Ballester, José Luis Cano, Meritxell Durán, Isidro Ferrer, Pep
Montserrat y Raúl. Su selección obedece a criterior subjetivos que no
son sino los derivados de haber seguido, desde hace tiempo, su pista de
forma intuitiva e independiente por parte de la autora. Sus
ilustraciones, tan distintas entre sí, pertenecen sin embargo a
personalidades y experiencias convergentes".Empezamos leyendo la entrevista de Arnal Ballester. Arnal es ilustrador (editorial, prensa y portadista) y profesor en la Escola Massana d’Art i Disseny de Barcelona. Ha recibido innumerables premios como el Premio Nacional de Ilustración de Libros para Niños del Ministerio de Cultura en 1993 y publicado títulos tan interesantes como "No tinc Paraules" (Mediavaca 1998), narración en imágenes.
Comentamos la entrevista el miércoles 21, y publicamos un resumen y comentario en el blog sobre el texto, así como, una ilustración de Arnal Ballester, que más nos haya hecho resonar.
TÉCNICA ROTULADOR
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| El primer rotulador lo inventó el japonés Yukio Horie en 1962. |
Los rotuladores de la marca Copic son uno de los mejores rotuladores o al menos los más usados para dar color por los ilustradores. De gran calidad y con una gran variedad de colores se utilizan para los trabajos profesionales.
Existen más marcas que comercializan todo tipo de rotuladores: Letraset o Wilson and Newton, Kuretake, Faber Castell, Sharpie, Deleter, Tombow o Sakura entre otras.
La técnica del rotulador es muy expresiva por sus colores brillantes e intensos, se puede trabajar con las líneas, las masas de color y las texturas y sus distintas combinaciones.
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| Amelie Fontaine |
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| Harry Borgman |
También es una buena técnica para complementar con lápices de colores, acuarelas, fibras finas (punta fina) y collage. Es difícil para la mezcla por su secado rápido. El rotulador no se puede borrar.
Existen tres tipo de rotuladores según la base en la que se sustenta la tinta:
Base acuosa
Son acuarelables y permiten resultados próximos a la acuarela, permiten mejor la mezcla del color para degradados, por ejemplo. Marcas como Tombow y Kuretake trabajan con base de agua.
Base volátil o alcohol
Son los más comunes y ofrece un efecto plano y liso buscado por muchos ilustradores, requiere su técnica para que no quede marcado el trazo. Copic, W&N, Faber Castell, Lyra son algunas marcas con base de alcohol.
Base pintura (acrílico, óleo, etc)
Su cualidad es la opacidad y poder cubriente. Uni-Posca, rotulador acrílico, muy usado para murales, y Artist al óleo.
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| Isadora Zeferino |
PUNTA BISELADA
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Kristin Lidström
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Los rotuladores con punta en forma de bala no hacen tanta variedad de trazos, pero son buenos para trabajos detallados, trabajo de línea, tramas, punteados y texturas. Los encontramos en diferentes tamaños.
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| Amelie Fontaine, planos de color. |
Para trabajar con línea fina, dibujos pequeños, detallados, texturas finas, tramados o para entintar rellenos de color. Faber Castell, Uni pin, Micron Pigma de Sakura, Copic, Deleter, entro otros.
Elementos gráficos
Rapidez
El rotulador es un buen instrumento para realizar bocetos de una ilustración en color, por su rapidez en el secado y trazado.
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| Bernardo Carvalho Daqui Ninguém Passa! Planeta Tangerina |
Se puede realizar un dibujo de base (recomiendo utilizar un lápiz de color rojo o azul, Prismacolor Cool-eraser, cyan Policrhomo de Faber Castell o Sketcher de Caran d'Ache lápiz azul) sobre el que pintar, teniendo en cuenta que donde el rotulador pinte la base no podrá ser borrada. También puede se puede dibujar o pintar (trabajo con línea o relleno con textura o plano de color) directamente o mediante mesa de luz.
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| Frannerd |
COLORACIÓN DEL PAPEL
Se aplicaran la tinta mediante trazos sucesivos, siendo tres la técnicas convencionales:
-el trazado paralelo
-el peinado
-el fundido.
Aunque en la actualidad se experimenta más alla de estas técnicas, con estilos más libres y expresivos.
Técnicas de paralelas, todos los trazos tienen el mismo sentido para dar unidad al dibujo. En vertical u horizontal.
La técnica del peinado, utilizado también en el lápiz de color, el tramado de líneas siguen el sentido del objeto.
La técnica del fundido, cuando no queramos que las huellas del rotulador sean visibles, fundiremos los colores, trabajaremos en fresco, utilizando rotuladores nuevos. También podemos utilizar un rotulador de fundido para mezclar las tonalidades y degradarlas.
El ilustrador profesional suele trabajar con una gama muy extensa de colores, que le evita realizar mezclas, ya que es muy difícil con esta técnica.
TRANSPARENCIA Y SUPERPOSICIÓN DE TRAZOS
Con cada rotulador sólo se aplica un color que adopta forma de banda o línea con límites muy definidos. El trazado, línea fina o gruesa, es la forma de aplicar la tinta. Aunque también se puede utilizar el puntillismo o la aplicación de texturas por elementos repetidos...
Para la aplicación de fondos o superficies amplias utilizaremos rotuladores de punta ancha, en forma de pincel o también bisel.
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| Katie Turner |
La superposición de trazos se utiliza para generar claroscuro y degradados. Ya sea con el mismo color o con otro distinto para oscurecer. La ilustradora Fran Manesse, utilizar de la gama de los violetas un tono lila para generar sombras.
Disolución del color:
Uso del blender
Pincelada de alcohol
Efecto rotulador gastado
TRABAJAR CON TRAMAS Y TEXTURAS
El rotulador permite un trabajo de grafismo suelto con reminiscencias primitivas o infantiles, una factura más bruta.
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| Sonia Pulido |
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| Bernardo Cavalho |
Se puede utilizar la técnica del collage, previamente coloreados los papeles rasgados o recortados, como los ejemplos de Manon de Jong
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| Manon de Jong |
Papel
El papel debe: ser liso, sin grano, de base satinada. absorbente, para que la tinta no debe correrse sobre la superficie del papel. Y no totalmente opaco para poder calcar el modelo. Papel con capa aislante en su dorso para no calar.
El papel para rotulador debe llevar estas indicaciones: marker, marqueur, feutre, lay-out, esquise, en formato A4, A3, A2, tanto en hojas sueltas como en blocs.
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William F. Renzulli |
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